Mezcla en estéreo: Adición de anchura y profundidad para las grabaciones
Cuando se trata de discutir el arte de mezclar música, se tiende a abordar el tema con cierto temor. Después de todo, en comparación con muchos de los temas que se han escito, ésta está llena de subjetividad - la idea de una persona en una mezcla con un sonido excepcional puede ser otra pesadilla sonora. Y lo que funciona para un género de la música será decididamente malo para otro. Pero todas esas variables a un lado, hay por lo menos unas cuantas teorías generales, consejos y trucos que se aplican a la mayoría de los proyectos de mezcla. Así, mientras que la idea aquí no es dar un tutorial paso a paso, de la mezcla de dos pistas, espero que podamos cubrir por lo menos un par de conceptos que son útiles para todos. En una buena mezcla estéreo, cada instrumento necesita claridad, el equilibrio, la separación, y un espacio propio en el campo estéreo.
El Concepto En su forma más básica, la mezcla en estéreo significa mezclar para el cerebro y la fisiología humanas. "True" mezcla estéreo implica la creación de una imagen sonora que reproduce lo que nuestros oídos oyen dos - y nuestro cerebro decode - en el mundo real. Por ejemplo, el cerebro localiza un sonido mediante la medición de las diferencias de tiempo y tonal entre el sonido que llega a un oído y el otro. En un mundo ideal, una mezcla estéreo verdadero sería crear un sonido que es lo más cercano posible a un rendimiento orgánico, vivo. Pero en el mundo real, la mayor parte del proceso de creación de una mezcla estéreo está lejos de ser orgánica o natural. Parte de esto es debido a consideraciones prácticas. En una actuación en directo, la acústica del lugar en sí juegan un papel prominente en la mezcla de las fuentes de sonido y enmascarar la localización de cualquier instrumento en particular. En el estudio, las pistas suelen ser registrados por separado, en un ambiente relativamente seco, lo que nos permite controlar su ambiente percibido con la ayuda de la tecnología. En la práctica, la mezcla estéreo moderna tiene menos que ver con la replicación de las condiciones del mundo real que con la creación de un buen balance de resonancia entre los diversos elementos musicales en una grabación. Es probablemente seguro decir que las grabaciones más modernas implican un cierto parecido al sonido de una banda tocando en vivo en frente del oyente. ¿Qué hace a una buena mezcla? Como se dijo anteriormente, la definición de una mezcla que suena bien es en gran parte en los oídos del oyente. Pero la mayoría de los ingenieros estarán de acuerdo en que una buena mezcla debe contener algunas características comunes: Claridad: Cada sonido en la mezcla debe estar limpio y claro - no hay turbidez o confusión de los sonidos o la imagen estéreo, no hay exceso de ruido u otras anomalías. Separación: Cada instrumento y parte debe ser fácilmente discernible. Claro, no hay nada malo en que un "muro de sonido" si eso es lo que está buscando, pero incluso dentro de esas guitarras grandes, frondosos, una gran mezcla será nítido y bien definido suficiente para que el oyente de escoger sonidos individuales. Balance: La mezcla debe ofrecer un buen equilibrio de frecuencias. Una mezcla que es demasiado pesada o inferior demasiado estridente será desagradable y agotador escuchar. La mezcla también deben estar equilibrados entre los canales izquierdo y derecho. Espacio: Al igual que con el equilibrio, esto se aplica en muchos niveles. La música en sí debe tener espacio - lugares entre las notas donde las cosas respiran y desarrollar la dinámica. Por supuesto, esto variará dependiendo del tipo de música. También debe haber un elemento de ambiente natural de cada instrumento, y el ambiente de los diferentes instrumentos debe mezclar bien con los demás. Vale decir que estas características por sí solas no hacen para una mezcla perfecta, pero una mezcla que carece de cualquiera de ellos, muy probablemente terminará siendo al menos un poco problemático. Se inicia en la Fuente No hace falta decir que el logro de la mejor mezcla comienza con una buena grabación. Esforzarse por lograr los más limpios pistas que puedas, sin exceso de ruido o distorsión. Lo más importante, no se olvide de escuchar con atención mientras usted está grabando. Esté atento no sólo por los errores, pero los ruidos callejeros y otras anomalías. Es mucho más difícil volver atrás y volver a grabar una parte, o fijarlo en la mezcla, de lo que es hacer las cosas bien la primera vez. También es una buena idea pensar en términos de la canción y la disposición desde el primer momento. Sólo añadir lo que se necesita para el arreglo, en lugar de abarrotar con overdubs. Y tratar de mantener el número de tomas de cualquier parte dada al mínimo; pocas cosas son más mentalmente agotador que escucha a través de docenas de tomas de una vocal o solo para compilar una sola pista. De hecho, la planificación de la mezcla mientras se está realizando el seguimiento es, probablemente, el problema número uno más alto en la grabación. Especialmente en las vías cerca ilimitadas que ofrecen los programas DAW de hoy, es muy fácil grabar otra toma y adoptar un "fijarlo en la mezcla" actitud. Las horas que se sumarán a su vez remezcla absolutamente volverá a morder en el final.
Mezclar en un volumen demasiado alto afecta su percepción del sonido, como se demuestra por estos contornos de sonoridad. Prepararse Al igual que con cualquier esfuerzo artístico, cada uno tiene su propio conjunto de trucos y técnicas, y lo que funciona para mí no podría hacer el truco para ti. Sin embargo, hay algunos puntos que son más o menos universal. Uno de ellos es siempre tratar de mezclar con oídos frescos. A partir de una mezcla después de haber hecho un seguimiento durante ocho horas será más o menos aseguro que va a comenzar de nuevo al día siguiente. En segundo lugar, tratar de mantener el volumen a niveles más bajos - demasiado volumen, inevitablemente, comienzan a afectar a su percepción (Mas info en Internet sobre "Fletcher-Munson curva". Además, cuando usted va a mezclar acuérdese de cambiar su perspectiva a menudo. Su combinación puede sonar muy bien mientras usted está sentado en el punto dulce entre los altavoces, pero la verdadera prueba estará escuchando desde afuera en el pasillo, oa través de un equipo de sonido o en el coche. Todos hemos escuchado a la gente comparar una mezcla en términos visuales, e incluso hay cursos de estudio que hacen hincapié en el concepto, la creación de diferentes colores "orbs" para ilustrar la colocación de las piezas en una mezcla. Es una idea interesante, aunque yo personalmente prefiero dejar visuales fuera de la ecuación por completo. De hecho, mi método preferido para la mezcla consiste en cerrar los ojos para escuchar. Me parece que la eliminación de las distracciones visuales tiende a agudizar mi enfoque en lo que estoy oyendo. Las alegrías de Mono Es importante revisar periódicamente la mezcla en mono, mientras que la construcción de su mezcla. La idea principal detrás de esto es para evitar problemas de fase con fuentes estéreo como guitarras y teclados. Pero el control de la mezcla en mono tiene sentido por otras razones también. Escucha en mono tiende a "aplanar" la mezcla, que le da una perspectiva diferente de la cantidad natural de la separación que hay entre las pistas. Esencialmente, si suena limpio y bien definido en mono, sonará bien en estéreo también, mientras que la inversa no es necesariamente cierto. Dicho esto, vamos a hacer una distinción entre el control de su mezcla stereo en mono frente a la práctica de la construcción de la mezcla en mono y luego se extiende hacia fuera. Mientras que un número de ingenieros que he hablado con juro por esta técnica, la mía (la verdad es subjetiva) es que la mezcla en estéreo requiere un enfoque totalmente diferente, de la misma manera la mezcla en un formato surround es diferente de música. Bateria y Bajo - A partir de su fundación En su mayor parte, los sonidos de baja frecuencia tienden a trabajar mejor cuando se coloque en el centro muerto. Debido a su falta de direccionalidad, y porque contienen la mayor parte de la energía en una mezcla típica, lo mejor es mantener estos sonidos en el medio de la mezcla. Crear un espacio natural en la propagación estéreo para cada pieza de tambor. Normalmente, en una mezcla de rock o pop, la batería y el bajo son el elemento más primera dirección de personas. Aunque no hay reglas duras y rápidas, la mayoría de las mezclas de empezar por la creación de la imagen estéreo de la batería desde la perspectiva del público. Eso significa que, con una batería para diestros, el bombo y la caja estará en el centro, el hi-hat se incrementarán ligeramente a la derecha de eso, y los gastos generales se coloca totalmente a la izquierda ya la derecha. Dependiendo del número de toms y otros juguetes de la batería tiene en su equipo, por lo general es la mejor manera de crear un emplazamiento natural para cada uno de ellos dentro de la propagación estéreo. Por ejemplo, si la batería tiene tres toms, por lo general una panorámica de la mitad un punto muerto y los otros dos a entre 9 y 10 y las dos-tres, dependiendo de la amplitud de la difusión que estoy buscando. Por supuesto, todo esto se supone que es la microfonía de batería en lo que se ha convertido en la técnica de grabación estándar, con micrófonos individuales en cada tambor, un par de los gastos generales, y tal vez incluso algunos micrófonos distantes para recoger ambiente del salón. En su mayor parte, usted encontrará que cuanto más se mezcle en los gastos generales y los micrófonos de ambiente de la sala, menos real "localizado" de definición de su batería tendrá. Dicho esto, una de las sesiones más interesantes que he trabajado en que participan sólo cuatro micrófonos en el kit - un par estéreo establecer unos metros de distancia del kit, y un par ambiente de unos 15 metros de distancia en las esquinas de la habitación. El productor era un conocido veterano de la vieja escuela taller, y nos pasamos horas literalmente mover los micrófonos aquí por una media pulgada y un cuarto de vuelta allí. La mezcla resultante tambor, aunque sin duda tenía algo de ambiente estéreo natural, estaba más cerca de mono en la naturaleza. Y si bien usted puede asociar eso con una falta de profundidad, el resultado fue todo lo contrario. De hecho, menos y menos panning ambiente resultará en una más grande, más definido y en su cara sonido de batería. Guitarras estéreo - Algunos consejos Guitarras de mezcla en estéreo es una gran manera de añadir profundidad a una mezcla, sobre todo en una mezcla muy ocupado. Extendiendo la guitarra (s) se abrirá un espacio para los graves y otras partes esté en el centro. Trate de dejar caer algunos de gama media inferior a eliminar turbidez en el medio - especialmente en un acorazado o acústico otro gran cuerpo. Adición de gama alta también puede funcionar, pero a menudo se acentúan ruido de los dedos. Probar la grabación de guitarra acústica con un par de micrófonos direccionales con uno que señala en el cuerpo justo debajo de la boca de la guitarra y el otro en la parte superior del cuello. Panorámica ellos a cerca de 9 y 3 horas debe darle una buena imagen estéreo amplia. Como alternativa, pruebe a utilizar una técnica micing Medio Side.
Un estéreo sugerido configuración de la grabación de guitarra. Doblando guitarras es otra buena manera de añadir profundidad. Mueva la pieza original a un lado, añadir un retardo (entre 5 y 15 ms es un buen lugar para empezar), y desplazar el regreso retraso en el lado opuesto. Un poco diferente reverb y / o el ajuste de EQ les espesar aún más. Haga doble seguimiento de las guitarras manualmente (es decir, registrar la misma pieza dos veces) puede ofrecer resultados aún más interesantes. Intente grabar la misma pieza con dos guitarras diferentes. Si eso no es una opción, intente grabar la misma pieza con una afinación diferente o un capo. Por ejemplo, si la canción está en G, grabar la segunda pasada con una cejilla en el quinto traste, jugando en D. O afinar la guitarra por un paso de todo y tocar la canción en A. Otra manera de doblar una parte de guitarra que se ha seguido en mono es enviarlo de vuelta a través de un amplificador de guitarra y micrófono al amplificador de dos puntos diferentes en la habitación con los micrófonos diferentes. Alternativamente, ejecute la pista a través de dos amplificadores diferentes, con diferentes ajustes. El plomo Mezcla y Coros Mientras que la voz principal son típicamente frente y al centro, puede probar todo tipo de ideas diferentes, con coros. Difusión de ellos en el campo estéreo es ideal para la ampliación de la pista, pero trata de no ser demasiado amplio - 9 y 3 horas es suficiente para la mayoría de las mezclas. Con la mayoría de las voces de acompañamiento, los efectos pueden ser tu amigo, un poco de pasillo y coro algunos pueden hacer maravillas para las piezas de mezclado entre sí y dentro de la mezcla. Panorámica de los coros izquierda y derecha y dejando la voz principal en el centro es una técnica de uso común y funciona bien en la mayoría de los casos. Pero para algo un poco diferente, prueba el deslizamiento de la voz principal sólo un pelo a un lado y los coros en el otro lado. Unos pocos más cosas para tratar No tenga miedo de ser asimétrica con su mezcla mediante la colocación de elementos hacia un lado o el otro. Particularmente con los parches de cuerda y otro fuertemente coro pads, paneo ellas muy ampliamente puede hacer que domine la mezcla, incluso cuando no son muy fuertes. En lugar de una panorámica de parte de los casos, por ejemplo, 9 y 3 horas, pruebe con un panorama más estrecha como 1 y 3 horas. Por supuesto, es probable que desee introducir algún otro elemento en el otro lado para equilibrar las cosas, pero es una gran manera para que las cosas salgan demasiado Nadarín y carente de foco. De hecho, es una buena idea para asegurarse de que al menos algunos elementos de su mezcla de permanecer en mono. Mientras que aquellos exuberante coro almohadillas y reverbs puede sonar muy bien por su cuenta, acumulando pista tras pista de ellos es una gran manera de convertir la mezcla en un lío bajo el agua. Siempre mantenga por lo menos algunas partes de mono para darles un sentido de localización. Usando una reverb mono les dará un ambiente sin destruir su direccionalidad. Un truco muy eficaz es el uso de reverb con delay en lugar de sólo el panorama para un ambiente más natural que suena. Mueva la pista original a un lado a las 9 de la mañana o las 10 horas, añadir un retardo corto (menos de 10 ms) y el pan que en el lado opuesto, a continuación, añadir un toque de reverb de la señal retardada. Los resultados serán un poco más de sonido natural que sólo mediante el control de panorama. He aquí por qué: el oído y el cerebro percibe una fuente de sonido mediante una serie de pistas auditivas, incluidas las diferencias en el tiempo, nivel, e incluso tonalidad entre cada oído. Una olla olla sólo se refiere a la diferencia de nivel. Retrasar el sonido en un lado y la adición de un poco de reflexión crea un ambiente más natural. Trate de afeitar de un solo toque de gama alta en el sonido retardado, así replicar el efecto de la cabeza a medida que se crea máscaras algunos del sonido. Otro truco para la ampliación de una pista es desplazar a un lado y añadir una reverb estéreo, el resultado será un ambiente natural con un poco de extra "splash" a un lado. O trate de añadir un efecto de chorus mono muy suave para un solo lado de una pista estéreo. El movimiento entre los altavoces puede añadir una profundidad y amplitud interesante que es particularmente agradable en cadenas y otros pads. Por supuesto, hay más A pesar de que he tratado de seguir con conceptos muy generales, la mezcla es un tema que puede fácilmente llenar cientos de páginas. Pero permítanme dejarles con dos puntos importantes. En primer lugar - es siempre acerca de la canción. No importa cuántos trucos tecnológicos fresco se introduce en una mezcla, si no es el adecuado para la canción, que no va a trabajar. Escucha la canción y sólo le dan lo que necesita - nada más. Y que, una vez más, me lleva a mi segundo punto, un consejo que ofrecer en casi todas las columnas - sus oídos son la herramienta más importante. Aprender a escuchar es realmente la lección más importante de la música, ya sea jugar, grabar, mezclar o masterizar. No tenga miedo de llegar allí y probar cosas nuevas. Y como siempre, deja que tus oídos sean tu guía.
